NINGÚ SAP EL QUE POT L'ART es el programa de formación 2019 de la ACCA, Asociación Catalana de Críticos de Arte.

La agencia material y la performativitat son aspectos con qué ultrapasar el análisis de la práctica artística en cuanto que mera cuestión de discurso o de significado. En un momento en que planteamientos neomaterialistes irrumpen con fuerza en el arte y el pensamiento contemporáneos, con este programa de formación se plantean interrogantes en cuanto a las implicaciones que estos planteamientos tienen al respecto de la teoría, la crítica, la pedagogía y la curadoria de arte: cuál es el papel de la crítica al respecto de unas corrientes artísticas con que se declara la insuficiencia del discurso como principio? En un momento en que el arte se comprende desde el prisma de su eficacia y la materialidad, cuáles son las implicaciones que se desencadenan en relación con todo aquello que concierne la mediación, las políticas y las infraestructuras del arte?
NINGÚ SAP EL QUE POT L'ART reformula la antigua aseveración del filósofo Spinoza –“nadie sabe el que puede un cuerpo”, Ética (1677)– para proponer tres escenarios con qué interrogar algunas dimensiones del arte y el pensamiento contemporáneos bajo el influjo del giro performativo y material. Cada formación ha sido diseñada y se conducirá por agentes de nuestro contexto que actualmente anticipan prácticas y discursos en relación con la creación contemporánea: Nancy Garín, con Irrumpiendo en la matriz, en el entorno de arte y la decolonialitat; Anna Manubens, con Hacer tal y como dices, en el entorno de la performativitat desde la perspectiva de la curadoria; y Quim Pujol, con Varietés del futuro, en el entorno de la performatividad desde la materialidad del cuerpo.

Sesiones:

_IRRUMPIENDO EN LA MATRIZ
16-23-30/10 y 6 -13/11. De19h a 21h. Centro Cívico Can Felipa, Barcelona.
A cargo de Nancy Garín, con Antoine Silvestre, Jeleton, Llevan Sacchi y Etcétera.

El pensamiento decolonial ha puesto de relieve otras maneras de comprender la división
cultura/natura y la relación entre humanos y objetos. Con esta formación se aporta una base para entender el pensamiento y la lucha
decolonial a partir de los conceptos principales y algunos de sus autores fundamentales. Se indagará en cuestiones como por ejemplo la colonialitat del poder, la raza como primera categoría social de la modernidad, las líneas abismales, las epistemologías del sur y la necropolítica. También se problematitzarà en el entorno de los estudios queer-cuero, performativos y anticolonials. Se tratarán aspectos relacionados con proyectos del colectivo Jeleton (La Historia Política de las Flores), Llevan Sacchi (Pequeño Museo Ilustrado sobre Órganos, Prótesis y Fantasías Corporales Coloniales), el colectivo Etcétera (Lo Museo del Neoextractivismo). Para hacerlo se cuenta con agentes que desarrollan su práctica entre el comisariado, la producción, la investigación y el activismo, articulando pensamiento crítico y acción, desde una perspectiva decolonial, tanto en nuestro contexto como en otros ejes geopolíticos.

Nancy Garín es investigadora y miembro de lo Equipo re. Formó parte del colectivo artístico Etcétera y la Internacional Errorista.
Antoine Silvestre es arquitecto y filósofo.Ha desarrollado investigaciones sobre las relaciones entre ciudad, colonialitat, capitalismo, urbanismo y tecnología en el marco de las democracias liberales modernas.
Jeleton es un colectivo formado por María Ángeles Alcántara Sánchez i Jesús Arpal Moya que opera en repertorios iconográficos, literarios, musicales, gestuales y que propone prácticas autodidácticas y la publicación de resultados provisionales para el debate.
Duen Sacchi es artista, investigador, escritor trans (Guaxu) y activista antirracista migra.
Etcétera es un colectivo multidisciplinat formato en Buenos Aires en 1997, con la intención de acercar el arte a espacios de conflictividad social –la calle– y trasladar los conflictos a los espacios de producción cultural y a los medios de comunicación y a las instituciones de arte.
 

_HACER COMO DICES
7-11-14/11. De 18h a 20h.Fábrica de Creación La Escocesa, Barcelona.
A cargo de Anna Manubens, con Laurence Rassel y Luz Broto

La distancia entre aquello que se afirma en una exposición y las condiciones en que se enuncia o se presenta esta afirmación es a menudo una discordancia, cuando menos, problemática. Esta forma de incoherencia es singularmente intensa en el ámbito artístico y sus profesiones, por el hecho que son -o se proyectan como- espacios y agentes de lucidez, crítica, imaginación y disidencia, a la vez que están atravesados por toda una serie de rasgos que los hacen punta de lanza del sistema económico y de gobernanza que los rodea.
En el peor de los casos, la falta de sincronía entre el qué y lo como -entre aquello que la exposición dice y la manera en qué aquello se produce o se narra o los plazos que se dan y las expectativas que se manejan- se asume de manera inadvertida o cínica. En el mejor de los casos, se sufre de incoherencia y contradicción éticas y políticas.
La intención de esta formación es dirigir la atención hacia modas de hacer exposiciones o programar acciones en qué aquello que se llama afecta y condiciona la forma como se presenta. Se trata de pensar la capacidad comissarial de hacer cuerpo con aquello que se trabaja o se quiere. Se trata de observar maneras de ejercitar una performativitat para la cual cada exposición o enunciación genera condiciones de posibilidad y existencia que los son singulares.

Anna Manubens es comisaría y productora independiente. Su práctica se mueve entre escritura, investigación, programación, desarrollo de proyectos y exposiciones.
Luz Broto es artista. Sus trabajos exploran los condicionantes de un lugar o situación para plantear mínimas acciones de desplazamiento que posen en juego las constricciones y complejidades del marco donde se inscriben.
Laurence Rassel es una trabajadora cultural que puede actuar como curadora, profesora u organizadora. De 2008 a 2015 fue directora de la Fundación Antoni Tàpies y actualmente lo es de erg, école de recherche graphique – école supérieure des artes, a Brusel·les.

_VARIETÉS DEL FUTURO
22-23-24/11. Todo el día. El Estruch Fàbrica de Creación, Sabadell.
A cargo de Quim Pujol, con Antoni Hervàs.

En el marco de un interés creciente por la performativitat, el reciente boom de la performance ha comportado el reconocimiento del cuerpo como una de las materias primas que condiciona las relaciones humanas. Así, pues, acontecen fundamentales tanto las propiedades inherentes a todos los cuerpos como el que Marcel Mauss denominó “técnicas corporales” -los saberes que permiten que nos comportamos de una determinada manera-. En este intensivo teórico y práctico trataremos la importancia de la técnica mediante la historia del teatro de variedades, un género que se basa en la yuxtaposición, hibridación y superposición de diferentes técnicas corporales. El trabajo de equilibristas, transformistas, cupletistes, magos, travestidos, farsantes y expertos en artes marciales también servirá de inspiración porque los participantes crucen sus prácticas contemporáneas con herramientas del teatro de variedades como la inmediatez, el humor, el ingenio y la sensualidad.
Se suministrará alojamiento a los participantes para crear una experiencia inmersiva a lo largo de los tres días que dura la formación y para compartir también ratos de ocio.

Quim Pujol es poeta con formación en artes de la performance. En los últimos años su trabajo artístico ha sido alimentado por formas poéticas no convencionales, el teatro de variedades de comienzo del s. XX, técnicas de trance, artes marciales y la ciencia ficción.
Antoni Hervàs es artista visual. Su investigación en el entorno de los límites del dibujo tiene implicaciones en la performance y le permite incidir en los archivos y las historias del activismo, estructuras de apoyo, estrategias de supervivencia y comunidades.