A través del acto Han Van Meegeren de manipulación del sistema artístico, Daniel Gasol plantea unas jornadas poniendo en crisis las formas de funcionamiento legitimadas por críticos, instituciones y mercado, y un estudio de las formas de resistencia artística al postfordisme. Se requiere inscripción previa a info@laescocesa.org

El pintor holandés Hans Van Meegeren, (1889-1947), expuso por primera vez a la Haya, con mucho de éxito entre el público pero con duras críticas a su trabajo, especialmente la del profesor Abraham Bredius. La frustración del artista ante las críticas le provocó una venganza que desde la historia del arte ha sido leída como una anécdota, pero que desde la práctica artística contemporánea, es leída como un acto de subversión ante las leyes epistemológicas del arte, poniendo en crisis las formas de funcionamiento legitimadas por críticos, instituciones y mercado.
Después de la exposición de Van Meegeren en Holanda y la dura critica realizada por varios profesionales, destacando la del profesor Bredius, el artista decidió pintar obras basadas en J. Veermer, el pintor neerlandés del s. XVII más admirado por Bredius. Durante meses al 1936, el artista se aisló en una casa alejada y pintó una supuesta obra de Veermer que tituló “Cristo y los discípulos de Emaús”. El artista es reproducir con exactitud el estilo de Veermerpara posteriormente mostrar las pinturas como obras recientemente descubiertas. Al 1937, el artista introduce la obra en el mercado a partir de un ilustre abogado creando una historia falsa que decía que el cuadro perteneció a una familia holandesa que se trasladó a Francia y que se veía en la necesidad de venderla por la grave crisis económica que sufría Europa. El abogado amigo del artista, informó a Bredius como máxima autoridad en la obra de Veermer, para que verificara y autentificase por quién había sido pintado. El profesor Bredius afirmó que la obra había sido pintada por Veermer y que era una joya escondida que no sólo verificó, sino que se atribuyó el descubrimiento recomendando al museo Boijmans de Rotterdam que lo adquiriera. La historia dice que el profesor iba de forma frecuente a estudiar la pintura y que Meegeren iba a ver como lo estudiaba por mofarse de él. Meegeren animado por el éxito de la venganza, decidió pintar otras obras con el mismo estilo justo en el contexto de la caída de la Alemana nazi al 1945 y después de la guerra, de forma casual, empezó una investigación policial por el hallazgo de varios Veermers adquiridos por altos precios o de forma irregular siendo una de los hallazgos la obra pintada por Meegeren a la que Bredius se había atribuido su descubrimiento. La policía determinó que la obra había sido vendida por Bredius a los nazis y por lo tanto, lo acusaron de colaborar a expoliar obras que tenían que pertenecer a tesoro nacional de Holanda. La policía descubrió que Meegeren había vendido varias obras supuestamente de Veermer, siendo arrestado y enviado a prisión acusado de colaborar con los nazis. Al juicio el artista declaró que lejos de colaborar con los nazis los había estafado puesto que las obras eran suyas, y por lo tanto no estaba despreciando el tesoro nacional de Holanda. El juez decidió que el artista bajo vigilancia, fuera encerrado con el objetivo que pintara una obra, demostrando así su inocencia. Pintó “Jesús entre los doctores” y fue liberado. No obstante, cada vez que aparecía una supuesta obra de Veermer, el artista era juzgado acusado de fraude que acabó en pena de un año de prisión, muriendo de un ataque de corazón 6 semanas después de entrar. La historia dice que no podemos saber si Bredius conoció la noticía, pero teniendo en cuenta el gran eco mediático del artista que causó la situación, es muy probable que el crítico se hubiera dado cuenta de la venganza que Meegeren llevó a cabo.

Van Meegeren pone de manifiesto con este acto, como el sistema artístico puede ser manipulado o manipulable por venganza, siendo el punto de partida para pensar en las frustraciones de las artistas en tener que someterse a unas leyes impuestas que convierten la creación en una carrera de fondo repleta de condicionantes que causan inquietudes y estrategias que se acercan más a las maneras de hacer de un empresario que a las de un artista que emplea su creación como forma de expresión. Estas condiciones laborales de ritmos estructurados y continuados, son con las que los artistas tienen que trabajar, combinándose con el estudio, la producción o prácticas que a menudo acaban para convertirse en un acto narcisista donde el artista que provoca malestar personal que pocas veces es compartido, entre otros porque “la debilidad” que se denotaría al compartir sensaciones, convierten al artista en un ser “débil” y poco preparado por la vida profesional. Es por lo tanto una necesidad por muchos y muchas artistas, habiendo traspasado este límite que ha afectado a su vida cotidiana, que el concepto “trabajo” sea revisado y re-humanizado puesto que las artistas acaban entrando en un ciclo institucional que presiona a los creadores en formas de hacer y desarrollarse.

1_Circuito / 11 Octubre 18’. 17:00-20:30h
David Santaeulària (comisario)
1h. Charla
30 min descanso
1h 30 min. Actividad

La primera sesión formula de qué manera la creación artística se ha adherido a formas de hacer fordistas que determinan calendarios y tiempos de hacer y pensar, convirtiendo la práctica artística en una producción en cadena. Así mismo D. Santauelària también nos hablará de las dinámicas institucionales que en la actualidad desactivan el arte como herramienta de transformación así como el asentamiento de definiciones que presentan y enmarcan fueras de hacer cercanas a empresas, como por ejemplo hablar de “producción artística” en cambio de “práctica artística”

2_Comunidad / 4 Octubre 18’. 17:00-20:30h
Alberto Peral (director de Halfhouse)
1h. Charla
30 min descanso
1h 30 min. Actividad

Sesión destinada a tratar lo tema Comunidad plantea como la mecánica capitalista aleja a los ciudadanos individualizándolos en sujetos ajenos. De esta forma de existencia que pone de manifiesto la lucha entre ciudadanos que no plantean la cotidianidad desde aquello común, se presenta la paradoja de que en el arte, trabajar con otros artistas y/o comunidades creativas, es no sólo un hecho sano sino que necesario.
Mediante este planteamiento A. Peral, director de HalfHouse, plantea de qué manera estructuras “institucionales” pueden albergar formas de comunidad artística que se alejan de las formas de hacer agresivas impuestas por el concepto “profesional”.

3_Creación / 18 Octubre 18’. 17:00-20:30h
Rafael Camps (director de Ingrávido)
1h. Charla
30 min descanso
1h 30 min. Actividad

La tercera sesión tiene la voluntad de repensar la idea de regreso social así como la práctica artística de algunos creadores que si viene ven en su trabajo una forma de resistencia, se encuentran a menudo con formas de hacer institucionales que o bien imposibilitan estas prácticas o las dificultan institucionalmente. R. Camps platejarà de qué manera la creación parece que tiene que adherirse a maneras de hacer propias de empresas y discursos políticos que tengan que adecuar las críticas a un silencio sublime para mantenerse en el circuito artístico.

4_Propuestas / 25 Octubre 18’. 17:00-20:30h
Joana Rueda (directora de Bombon Projects)
1h. Charla
30 min descanso
1h 30 min. Actividad

La cuarta sesión plantea una jornada de conclusiones ambles que intentaremos realizar una aproximación a maneras de hacer y formas de ver el ámbito creativo desde la supervivencia como trabajadores. J. Rueda, directora de Bombon Projects, compartirá otras formas de hacer innovadoras a partir de su proyecto para hablarnos de diferentes formas para repensar la idea de mercado y de economía en el ámbito artístico.

5_Dinámica de grupo / 8 Noviembre 18’. 17:00-20:30h
Daniela Aparicio (psicoanalista)
1h. Charla
30 min descanso
1h 30 min. Actividad

La última jornada establece una dinámica de grupo centrada en las vivencias emocionales de cada integrante de la Jornada. Un trabajo de apertura a la subjetividad particular de cada artista en sus relaciones con su producción artística y con el mundo en el que vive, será el cuerpo central con el que crear un espacio temporal de sinceridad, espaldarazo, empatía para dar visibilidad a relaciones más “humanas” entre artistas, acercando la práctica artística y los/las realizadores/se de la misma a un prisma  de ayuda y comprensión, devolviendo al arte nociones que son necesarias y han sido sustituidas por formas de hacer agresivas y violentas.